Sakura era una niña como cualquier otra hasta que abrió un libro mágico y esparció las Cartas Clow por todo su vecindario, causando estragos que prontamente tuvo que detener. Tanto para ella como para nosotros, eso supuso todo un misterio que queríamos descubrir capítulo a capítulo, conociendo más de cada carta y sus poderes, viendo los hermosos trajes que Tomoyo confeccionaba y disfrutando de la acción en la que tanto Sakura como Svyaoran se veían metidos. Eso además tuvo un trasfondo relativamente oscuro y muchos misterios por descubrir, de esos que nos mantenían en ascuas episodio tras episodio. En este nuevo arco, la historia comienza de manera distinta pero con un desenlace similar, poniendo a Sakura en el centro de un mazo de cartas mágicas que debe capturar antes que hagan de las suyas. El problema con esto es que es “más de lo mismo”, pero presentado de manera aburrida y predecible. Si bien las nuevas cartas suponen un avance, al mismo tiempo se ven como una vuelta al punto de partida, y esto sumado a otros “problemas” se vuelve un combo negativo.

Antes, la historia era muy simple en cuanto a personajes: Sakura es la heroína, Kero era su guardián y compañero, Syaoran era su contraparte e interés amoroso y Tomoyo era el vínculo entre el mundo mágico y la gente común, además de la que ponía el toque Mahou Shoujo gracias a sus trajes; a ellos se le sumaban otros, claro, que a fin de cuentas todos jugaron su papel. En Clear Card-hen la base sigue siendo la misma, pero ahora tenemos participación de varios personajes secundarios que aportan poco o nada a la trama general. En casi cada capítulo de Clear Card-hen, tenemos a las amigas de Sakura compartiendo la comida en el colegio, a Eriol o la profesora Kaho Mizuki contactados a distancia o a Yue intentando descifrar el secreto detrás de las nuevas cartas. La cosa es que todo eso se transforma en “relleno” desde el momento en que la historia no avanza y rara vez aportan algo concreto desde el guión. Todo esto quita tiempo a las escenas importantes o las que más disfruta el público, ¡¿o no se quedan con ganas de más cada vez que Sakura atrapa una carta?!

¡Aquí está la clave! la mayor diferencia —y ese paso en falso— está en el enfoque de la serie, que ya dejó de ser un anime más de Acción y Magia para transformarse en un recuento de cada día en la vida ya no solo de Sakura, sino de los demás. Incluso con más de 10 capítulos al aire, todavía muchos se preguntan qué rol juega Akiho Shinomoto en todo esto, o de qué se tratan los sueños recurrentes de Sakura. El balance de los primeros episodios ya eran muestra de todo esto, con una escena a las apuradas para mostrar la aparición de una carta y su inmediata captura, y otras mucho más detalladas y pausadas de cómo la protagonista y sus amigos llevan sus actividades escolares. Lamentablemente, Clear Card-hen se queda a medias y no destaca ni en un género ni en otro, dejando un sabor a la subestimación del “no importa lo que hagamos porque es de CLAMP y será un éxito”, mezclado un poco de “tenemos un plot twist que dejará a todos con la boca abierta, pero primero los haremos ver estos 15 episodios donde todo avanza a paso de tortuga”.

Estamos repasando una serie desde un punto de vista más analítico, en contraposición a una serie que veíamos no solo como niños que se maravillaban fácil sino como, en muchos casos, completos ignorantes de lo que un anime significa. Además, estamos hablando de 20 años de diferencia entre una serie y otra; 20 años en la que nuestros gustos y expectativas han cambiado y evolucionado. Si lo ponemos en contexto, son pocas las sagas —ya no solo en anime— que superan el paso del tiempo y regresan con igual o más fuerza que antes, así que tampoco tenemos que hablar de fracasos y horrorizarnos. Lejos de eso, lo más conveniente es aprovechar esta nueva saga para presentar estos personajes que tanto quisimos a nuestros hijos o hermanos pequeños, pero más que nada para recordar con cada episodio algunos de los mejores momentos de nuestra infancia.

A simples miras, este punto es la mayor desventaja de Boruto frente a Naruto. A nivel de diseño, para la época de Naruto sus personajes resultaron frescos y novedosos. Por su parte en Boruto se mostró una clara falta de creatividad en la concepción de los mismos, ya que, aunque es entendible el punto de que son padres e hijos, nos encontramos con demasiados clones o gender bender de los personajes originales, siendo el peor de los casos el protagonista, pues muchos consideran inaudito el hecho de que padre e hijo se diferencian solo por un color de ojos que hay que ver con lupa, y un cambio de ropa y peinado, lo que termina dándole a la serie ese aire de refrito. En lo que a personalidad de los personajes se refiere, también dejó mucho que desear en comparación con su predecesor pues, los protagonistas de Boruto se nos presentan en primera instancia como niños mimados y pomposos llorando por su papi, para después sacar a flote sus características positivas. Esto los degradó como personajes, ya que aunque son más realistas, venimos de ver a niños que enfrentaron con pantalones y voluntad ser huérfanos o sufrir de bullying, por lo que esta falta de carácter y temple jugo totalmente en su contra.

En lo que a este punto se refiere, a pesar de que en Boruto se nos muestran vestigios interesantes en lo que a lo poderes se refiere y a la capacidad que pueden mostrar estos personajes al ser hijos de quienes son, comenzar la serie fue como ver la primera temporada de Naruto nuevamente, con metidas de pata garrafales como repetir los mismos lugares visitados por los protagonistas anteriores y ahora hasta metiendole juegos de mesa de por medio para alcanzar la paz deseada, en vez de más kunais o un tratamiento diplomático más coherente.

En lo que concierne a la animación en Boruto, la misma no ha bajado de calidad en comparación con Naruto, pero tampoco a mejorado o mostrado una cosa diferente, y ya ha casi 20 años de haber comenzado la primera serie, los fanáticos anhelan sorprenderse a través del impacto visual que puede dar ver esta historia como anime, y que los cambios o sorpresas no dependan sólo del hilo argumentativo, como suele suceder cuando se lee el manga.

Escenarios modernos y la inclusión de elementos tecnológicos no han favorecido mucho a Boruto ya que en la mente de muchos, un ninja moderno sería como los agentes secretos o espías que vemos en la televisión y lo presentado dista mucho de eso. Esta oportunidad de innovar, no ha sido bien direccionada, y desembocó en situaciones como la de Boruto la película, donde vimos jutsus lanzados con un aparato al puro estilo de Beyblade, pero con un tratamiento negativo generado por el mismo autor, dejando escapar la oportunidad de darle su propia originalidad y sentido a esta serie.

Partamos por lo principal y es que si comparamos los argumentos de ambas series, resulta irrisoria una competición. Empecemos por que es entendible de que Samurai Champloo intenta aportar un elemento cómico y fresco a algo muy trillado, pero basar todos los tanganazos que dieron en la serie de un sitio a otro, las peleas sin un propósito claro, solo en buscar a un samurai que “huele a girasoles” sin que Mugen y Jin tuvieran más claro ¿que estaban buscando o porque estaban peleando? cae en lo ridículo. Por su parte en Rurouni Kenshin se supo mantener el equilibrio en la trama al aportar dosificadamente y bien administrado elementos: cómicos, dramáticos y de acción. Sumado a ello, el objetivo de la serie es de peso y realista al periodo, al basarse en la expiación de un samurai que intenta reconstruir su vida después de un periodo tan sangriento y que ahora solo lucha por proteger eso que a logrado edificar e intentando que su pasado no se lleve de por medio a las personas que realmente le importan.

En Rurouni Kenshin pudimos disfrutar de una gama de personajes bien construidos, con una personalidad que encantaba a cualquiera que decidiera disfrutar de este clásico, y eran tantos y tan variados, que de hecho muchas personas tienen su personaje favorito que no necesariamente es uno de los protagonistas. Por su parte Samurai Champloo sólo centra la historia principalmente en los tres protagonistas, los cuales muestran muchos vacíos o incógnitas que no se llegaron a explorar o explotar de forma adecuada y con unas personalidades algo trilladas a excepción de Mugen quien realmente es quien aporta la diferencia o la novedad en lo que a tipo de personajes se refiere.

En cuanto a diseño, ambas series cada una muy a su estilo se encuentran equilibradas, Rurouni Kenshin nos presenta una concepción más estilizada, mientras que Samurai Champloo, muestra un estilo de dibujo más rústico pero pasable. Igualmente a nivel de animación ambas series se equiparan, realmente el detalle de todo esto está, en las oportunidades que da el hilo argumentativo para mostrar las escenas de acción, o efectos que nos puedan presentar y Samurai Champloo siendo una historia tan corta y con un material limitado para sacarle partido, ya que pasaba bruscamente de lo serio a lo cómico, no pudo destacarse tanto como se podría haber explotado si la trama hubiera ayudado un poco más y hubiera sido de mayor duración.

Un aspecto muy importante que sepulta a Samurai Champloo, es la capacidad de enganche de un fanático, ya que a pesar de tener escenas, detalles o episodios buenos, los mismos no eran constantes y había momento donde la serie se tornaba aburrida o sin sentido, mientras que Rurouni Kenshin adquirió muchos seguidores precisamente por este detalle, ya que su historia mantiene un enfoque constante, que invita a no perderte un episodio y el poco relleno que tiene, también es digno de ver, así que es una de esas series que tienen poco desperdicio.

Después de que una puerta dimensional se abre en Japón, alienígenas violentos denominados los Vecinos comienzan a invadir nuestro mundo. Afortunadamente para la Tierra, la amenaza es enfrentada con velocidad, pues los gobiernos crean una nueva fundación, la Frontera, y sus agentes especialmente entrenados para usar los Gatillos en contra de los Vecinos, se encargan de mantener a estas pestes interdimencionales de su lado de la puerta. Lamentablemente, son muy jóvenes así que la mayoría debe estudiar en secundarias o preparatorias al tiempo que defienden a la humanidad. Osamu Mikumo es uno de dichos agentes, que trata de ser el mejor de su clase, cuando Yuma Kaga es transferido a la misma. Como Yuma parece no tener idea de las leyes locales, Mikumo se debe encargar de enseñarle como ser parte de la sociedad. Lo que nadie sabe es que Yuma es mucho más de lo que aparenta. Tanto World Trigger como A.I.C.O.: Incarnation tienen escenarios similares: la reacción de la humanidad a una forma de vida nueva o desconocida que puede o no ser violenta. La acción en ambas también comienza cuando un estudiante de intercambio conoce al personaje principal y dicho estudiante de intercambio tiene secretos muy importantes. Sin embargo, una vez que pasa el principio, hay muchas diferencias notables. Aún así, hay mucha acción en ambas y si amabas a los Buzos en A.I.C.O: Incarnation, adorarás a los Gatillos que usan los agentes fronterizos. Hay mucha política también, en forma de discusiones de cómo tratar a los Vecinos, que pueden recordarte a las discusiones políticas de si es posible destruir a la Materia, y como había quienes deseaban estudiarla.

La Isla Sentan es considerada una zona neutral en la guerra entre el Norte y el Sur, pero eso no significa que sea segura. Akiyuki y sus mejores amigos, Haru y Furuchi, descubren esto de la manera más ruda, cuando un ataque terrorista los agarra desprevenidos. Desafortunadamente, mientras que Furuichi y Haku logran salir ilesos, Akiyuki tiene una gema implantada en su brazo, que lo transforma en un Xam´d, una creatura humanoide usada como un arma de guerra. Aunque recibe ayuda de Nakiami, una joven que fue quien causo el ataque, tiene que dejar su vida atrás mientras busca la forma de volver a ser normal. Al igual que A.I.C.O.: Incarnation, Bounen no Xamdou nos muestra un mundo muy similar al nuestro, pero donde la tecnología ha avanzado a un punto donde tenemos formas de vida artificial que nos hacen preguntarnos muchas cuestiones filosóficas. Si bien los Xam´ds son más humanoides que la Materia, siguen siendo tratados como objetos que deben ser estudiados. Hay mucha intriga en los escalones más altos de la milicia, experimentos secretos que los civiles no conocen, y suficientes giros de argumento para que hasta los televidentes más experimentados se sorprendan al final.

El pequeño pueblo montañés de Suiten fue la escena de una tragedia terrible. Dos niños fueron secuestrados para pedir recompensa, y sólo uno sobrevivió. Por otro lado, un hombre local se suicidó poco después y fue encontrado por su hijo menor. Esa tragedia le dio forma a la historia del pueblo y a la vida de los niños involucrados, pero once años después todos intentan tener vidas normales. Pero para el joven Tarou, el niño secuestrado que ahora tiene 15 años, es muy complicado reconciliar lo que paso. Sufre de narcolepsia y pesadillas recurrentes donde puede ver a quien cree es su hermana y su secuestrador, pero no puede estar seguro pues no escucha sus voces. Cuando un nuevo estudiante de intercambio, Masayuki, llega al pueblo, Tarou se da cuenta de que tienen el poder de viajar fuera de sus cuerpos, y empieza una cacería para descubrir que fue lo que le paso, y como fue que su hermana murió. A primera vista, Ghost Hound parece centrarse más en lo sobrenatural que en los avances científicos, pero aun así tiene mucho en común con A.I.C.O.: Incarnation. Tanto Aiko como Tarou tienen visiónes confusas que sólo tienen sentido cuando comienzan a recordar su pasado, ambos tienen amnesia selectiva sobre un accidente que le costo la vida a un miembro de su familia, y están rodeados de personas que parecen saber más de la situación que ellos. También hay monstruos inhumanos que persiguen a los protagonistas sin descanso, y secretos obscuros que sólo pueden descubrirse a través de un sacrificio. Esto es lo que hace a Ghost Hound una serie excelente para ver si la política y los secretos en A.I.C.O.: Incarnation llamaron tu atención.

Yuko Okongi, también conocida como Yasako para sus amigos, acaba de mudarse al pequeño pueblo de Daikoku con su familia y su mascota virtual Densuke. El pueblo es muy particular, ya que es donde se está probando una nueva Realidad Aumentada. Dicha realidad es un ciberespacio que existe sobre el pueblo, y puede verse gracias a unos lentes especiales que también se conectan al Internet. Porque el proyecto aun esta en la etapa de prueba, hay algunos problemas que han dado pie a que se cree una comunidad de hakers entre los niños de la ciudad. Yasako se une a uno de estos grupos, y conoce a Yuko Amasawa, conocida como Isako entre sus amigos. Juntas comienzan a descubrir los secretos obscuros detrás del proyecto de realidad aumentada, y los múltiples secretos de la gente del pueblo. Dennou Coil es una serie que puede intrigar a muchos, donde la tecnología parece magia en ocasiones no sólo porque es muy avanzada, sino también porque el mundo cibernético, invisible a aquellos que no tienen anteojos especiales, parece un mundo mágico secreto para los niños. Aunque es mucho más ligera que A.I.C.O.: Incarnation, también tiene unos giros obscuros, y tiene temas similares que preguntan que es lo que significa ser humano, y como la tecnología cambia la sociedad.

Saki Watanabe vive en una villa donde no hay pobreza ni crimen, y mucho menos sufrimiento. Sabe que esto es gracias a los gobernantes, que tienen el poder de la psicokinesis y mantienen a todos los ciudadanos a salvo. Ya que ella también tiene poderes, fue inscrita en la Academia Zeijin para asegurarse de que crezca para ayudar a la villa. Sin embargo, las cosas no son tan simples como parecen. De cuando en cuando, un estudiante de la academia desaparece; los rumores dicen que monstruos horribles con forma de gatos los secuestran. Cuando un amigo de Saki desaparece, es cuando ella se da cuenta de que la vida en su villa no es tan idílica como creía. La principal similitud entre Shinsekai Yori y A.I.C.O.: Incarnation es que ambas empiezan en un mundo aparentemente perfecto. No vemos mucho de la vida de Aiko en el hospital y la escuela antes de que las cosas se vuelvan complicadas, pero dado como todos actúan en la escuela podemos imaginar que su vida diaria es bastante idílica a pesar de la amenaza de la Materia y si esta puede cruzar la pared. Por otro lado, vemos mucho de la vida en la villa, y la gente parece ignorar que hubo un terrible desastre en el pasado que destruyo a la mayoría de la humanidad y fue el origen de su vida. Ambas series tienen misterios geniales y un mensaje muy interesante de lo que significa ser humano.

En algún lugar del mundo, existe una ciudad rodeada por un muro donde viven seres alados llamadas Haibane. Nadie en la ciudad tiene permitido salir, y la ciudad sólo tiene una entrada. Las Haibane no son humanas: salen desarrolladas de capullos sin recuerdos de sus vidas pasadas excepto por un sueño que ayuda a nombrarlas, y tienen menos derechos que los ciudadanos sin alas. Rakka es la Haibane más nueva, y por tanto, tiene que aprender a aceptar la situación en la que se encuentra. Las otras Haibane no saben mucho tampoco, y los únicos que le pueden dar información son los Renmei, un grupo de viajeros enmascarados que son los únicos con permiso de salir de la ciudad. Si bien Haibane Renmei es la única de la lista que no tiene acción, también tiene muchas cosas en común con A.I.C.O.: Incarnation. Hay varios paralelos entre los Renmei y los buzos: Ambos son los únicos grupos que pueden salir de sus respectivos muros, y los seres humanos normales los evitan de varias maneras pues son un recuerdo de que sus vidas no son exactamente normales. Dado que las Haibane no son humanas, tienen varios parecidos con la Materia y las Vidas Artificiales creadas por los seres humanos. Y claro, ambas series mantienen un tema constante sobre el aceptar tus pecados del pasado y buscar redención por los mismos, así que si fuiste fan de Haibane Renmei, seguramente te gustará A.I.C.O.: Incarnation, y si amaste A.I.C.O. de seguro te fascinara Haibane.

Haruka Oozora se ha mudado de Tokio a Okinawa. Ella es muy alegre y positiva todo el tiempo, pero ella tiene un complejo, su alta estatura. Entonces, allí está Kanata Higa, la prima de Haruka de su misma edad, que vino a recibirla al aeropuerto. Ella está preocupada por el hecho de haber dejado atrás a su amado voleibol de playa debido a su baja estatura. Este par muy impar terminará formando un equipo de voleibol de playa. En la cancha abierta de arena, solo tienes un aliado. ¿Qué tipos de jugadas nos mostraran estas dos chicas?

Urashima, es una isla bastante alejada flotando en el océano. Urashima es vista como un paraíso, llena de naturaleza. Sin embargo, un pasado extraño y costumbres establecidas mantienen a su población prisionera de la isla. Los residentes de esta isla han aceptado que han sido abandonados por los habitantes de la tierra firme quienes los han olvidado gradualmente. Entonces, un día, un joven llega perdido a la isla, y se refiere a sí mismo como un “viajero del tiempo” de nombre Setsuna. Setsuna no tiene ninguna memoria, solo la sensación de que está en una misión la cual debe completar. Luego él conoce a tres chicas llamadas Rinne, Karen y Sara. Es allí donde él comienza a cambiar el futuro de la isla. Esta es la historia de un chico, tres chicas, y una misteriosa isla llena de misterio y costumbres extrañas.

Kogarashi Fuyuzora tiene habilidades psíquicas. Siempre está siendo perseguido por espíritus malignos y por una enorme deuda. Él está buscando una habitación con una renta barata. Es así como él terminó en Yuragi-Sou una casa de huéspedes llena de chicas increiblemente hermosas, incluyendo la chica fantasma Yuuna Yunohana quien no se puede ir al más allá. Aunque el dueño de Yuragi-Sou no quería que él se mudara a su casa, Kogarashi termina viviendo allí...

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Kuroko no Basket sigue el camino de los novatos Taiga Kagami y Tetsuya Kuroko, del equipo de basketball de la Seirin High School, en su búsqueda por ganar el campeonato interescolar y así proclamarse el mejor equipo de basket de todo Japón. Para alcanzar su objetivo, Taiga y Tetsuya deben vencer a varios grandes equipos, entre los cuales se encuentran miembros de la “Generación de los Milagros”, jugadores con habilidades únicas que formaban parte del equipo de la Teikou Junior High School. Las fuertes rivalidades, la amistad y la lucha por convertirse en los mejores, son varios de los aspectos similares entre Kuroko no Basket y Captain Tsubasa, solo que en esta ocasión las maravillosas habilidades se trasladan a las entabladas canchas de basket. Así como Tsubasa y Genzou llevan una fuerte rivalidad a lo largo de Captain Tsubasa, Taiga y Tetsuya tienen una dura competencia con personajes como Seijuurou Akashi. Otra de las características que comparten ambos animes es la presencia de féminas que apoyan y se involucran en la vida de los protagonistas, como Satsuki Momoi y Sanae Nakazawa.

Cuando el East Tokyo United, equipo de fútbol de primera división de Japón, se encuentra en el fondo de la tabla y en medio de una racha de 5 derrotas seguidas, con el ánimo de los jugadores por el suelo y la desilusión de su fanaticada, la directiva decide hacer un cambio de director técnico. Es allí cuando nuestro protagonista, Takeshi Tatsumi, aparece con sus excentricidades y talento para intentar recuperar el equipo. A pesar de que en Giant Killing los jugadores no poseen habilidades extraordinarias, y de que nuestro protagonista es el director técnico y no un jugador, existen muchas similitudes con Captain Tsubasa. Ambos animes no solo se enfocan en el fútbol sino que también se exploran las relaciones que entablan los personajes, tanto dentro como fuera de la cancha. En Giant Killing los partidos se sienten más fluidos, pero tenemos una historia similar entre equipos que van de la nada a la gloria.

Hungry Heart: Wild Striker nos trae la historia del rebelde y frustrado Kyosuke Kano, un joven futbolista que por crecer bajo la sombra de su talentoso hermano mayor decide olvidarse del fútbol. En su nueva escuela, Miki Tsujiwaki, una talentosa jugadora del equipo femenino del colegio, descubre por casualidad su talento y le propone que se convierta en el director técnico del club, situación que despierta en nuestro protagonista su pasión olvidada y lo devuelve a las canchas. Tanto Tsubasa como Kyosuke comparten la misma pasión, y ambos tienen el sueño de convertirse en jugadores de fútbol profesionales. Por otra parte, tenemos a Sanae Nakazawa (Patty, en la versión para Latinoamérica) y Miki, personajes femeninos que desarrollan una relación especial con los protagonistas. También podemos encontrar ciertas semejanzas en las animaciones y las habilidades sorprendentes que muestran los personajes en ambas series, como los enganches y los disparos a gol de ensueño.

En Days se narra la vida de Tsukushi Tsukamoto y Jin Kazama, integrantes del equipo de fútbol de la escuela Seiseki y totalmente distintos entre sí: el pequeño Tsukushi no posee grandes habilidades para jugar al balompié, pero lo que le falta en talento le sobra en entrega y corazón. Fue Kazama quien invitó a éste a una partida de fútbol informal, lo que llevó a nuestro protagonista a incursionar de lleno en el deporte a pesar de su torpeza. Sabemos que Tsubasa posee un talento innato que contrasta con la torpeza de Tsukushi, pero en el fondo ambos protagonistas luchan constantemente en busca de la grandeza y la superación, y es allí donde Captain Tsubasa y Days tienen un gran punto en común. En el apartado gráfico también existe una característica similar, como lo son las secuencias en cámara lenta o rápida según el dramatismo. Otra característica similar entre los dos animes es el desarrollo de una fuerte amistad, pues Jin y Tsukushi son algo así como Tsubasa y Taro Misaki (Tom).

Al igual que muchos niños alrededor del mundo, el sueño del pequeño Shou Kazamatsuri es convertirse en un jugador de fútbol profesional... pero Shou debe lidiar con dos desventajas: su corta estatura y el hecho de que no es realmente bueno jugando, ¡pero esto no le detendrá para ir en busca de su tan anhelado sueño! Existen obvias similitudes entre Whistle! y Captain Tsubasa. Ambos son Shounen cuyo tema central es el fútbol, protagonizados por chicos con un sueño claro al que se entregan completamente, mejorando sus habilidades con una determinación inalterable. Sin embargo, Whistle! tiene un enfoque más realista, por lo que no veremos “súper habilidades” como en el caso de Captain Tsubasa.

Los Depredadores de Momoyama son un equipo de fútbol menor que se encuentra al borde de desaparecer definitivamente, pero gracias al empeño y dedicación de Sho Ota eso no debería ser problema. Sho es un pequeño defensor central y capitán del equipo que se enamoró perdidamente por el soccer al ver jugar a Satoru Tanaka, delantero de la selección nacional de Japón. La pasión y amor por el fútbol que vemos en Tsubasa es la misma pasión que vemos en Sho Ota; si bien uno es atacante y el otro es defensor, ambos son niños con un ímpetu muy fuerte por el deporte. También existen otros elementos comunes entre ambos animes, como la lucha constante de los protagonistas por mejorar como futbolistas, el hecho de que ambos son el alma de sus respectivos equipos y la continua superación de adversidades a lo largo de la historia. Además, también tenemos referencias a jugadores de fútbol de la vida real, como es el caso de Cristiano Ronaldo o Lionel Messi, entre otros.

Kotomi Aoki es una mangaka veterana que ha explorado varias facetas del Shoujo. Su trabajo más famoso hasta ahora ha sido el controvertido Boku wa Imouto ni Koi wo Suru, pero en Asa mo, Hiru mo, Yoru mo nos encontramos con Shinobu, una chica de escuela secundaria que odia a los niños porque fue abusada por uno. Sin embargo, ¿qué sucede cuando un chico que se ve exactamente como el que abusó de ella se le declara? Sakuya y Shinobu no lo tienen fácil, pero a pesar de eso, tienen una vida aceptablemente normal. Las protagonistas intentan olvidar sus experiencias pasadas y tienen varios amigos que ayudan… incluso sus intereses amorosos. Así que sí, si te gustan las historias serias con un poco de romance en la mezcla, Hoshi wa Utau y Asa mo, Hiru mo, Yoru mo están en la misma página. La principal diferencia es que el primero es mucho más largo en comparación con el segundo, y si estás listo para una lectura rápida, Asa mo, Hiru mo, Yoru mo podría ser una buena opción para ti.

En Honey Hunt conocemos a Yura, hija de una actriz y un músico, pero a diferencia de sus padres ella no es fan de las multitudes. Todo habría estado bien si no fuera porque la madre de Yura descubre que su esposo la engaña, por lo que se divorcia de él y abandona a su hija. ¿No estás triste todavía? ¡Espera a que Yura descubra a su madre con el vecino! Después de todos los sobresaltos, Yura decide convertirse en actriz, ¿pero puede estar al tanto de todo, incluido el amor? La historia de Yura nos recuerda algo... hay similitudes entre la triste infancia de Sakuya y ella, ¿verdad? Las dos chicas viven con un cuidador masculino en lugar de sus familias originales. Claro que hay un enamoramiento para cada una de ellas, aunque la historia de amor se complica. Si alguna vez te preguntaste qué hubiera pasado si Sakuya fuera una actriz, seguro podrías leer Honey Hunt.

Yuu Watase se hizo famosa en el reino del manga Shoujo gracias a Fushigi Yuugi, pero tiene muchas historias para elegir. En Alice 19th, seguimos a Alice Seno, que vive a la sombra de su hermana Mayura. Un día, nuestra protagonista salva un conejo y éste le otorga poderes para “entrar en el corazón de los demás”... entonces, ¿Alice será una chica mágica feliz a partir de ahora? Bueno, es posible que conozcas el estilo de Yuu Watase y este es un artículo sobre mangas similares a Hoshi wa Utau, ¡así que las cosas se van por otro camino! Entendemos que a veces el género de la chica mágica puede ser demasiado rosado, brillante y feliz, pero para aquellos de ustedes que quieren algo un poco más agridulce y sombrío, tenemos mangas como Hoshi wa Utau y Alice 19th. Hay triángulos amorosos en ambas historias, angustia y comentarios sociales. Lo bueno es que los personajes masculinos también tienen que tomar decisiones difíciles, ampliando un poco el espectro de la trama

Si el nombre de Arina Tanemura no te suena, recordemos sus obras maestras encarnadas en el anime: Kamikaze Kaitou Jeanne y Full Moon wo Sagashite. ¡ya ves que puedes esperar romance combinado con magia, giros inesperados y a menudo oscuros! En Shinshi Doumei Cross testificamos un negocio entre dos familias, en el que Haine Kamiya es entregada a cambio de 50 millones de yenes. Quizás Sakuya no es una chica rica, pero Haine sufrió un trauma infantil como ella. Ese préstamo parece esclavitud, ¿verdad? Las personalidades de ambas chicas también son similares, mientras que los chicos podrían llevarse bien si se conocieran porque también tienen mucho en común. ¿Mencionamos que el mejor amigo posesivo también está presente en ambas historias? Lo mejor es que estos mangas tienen un ligero toque retro, así que si te gusta el manga Shoujo antiguo aquí tienes tu dosis.

En Cat Street vemos lo que la fama puede hacer si la consigues en tus primeros años. Cuando Keito Aoyama era una niña, ella era una actriz famosa, pero un desafortunado incidente provocó no solo su jubilación anticipada sino también su retiro de la sociedad. Cuando Keito llega a sus 16 años es llevada por un extraño a El Listón, una peculiar escuela secundaria para gente especial. Una vez más, tenemos dos personas que han sido profundamente heridas en su niñez. Sin embargo, enfrentan cambios en sus vidas después de muchos años, por lo que luchan por superar sus problemas. El trabajo interno de sus mentes y corazones puede empatizar con los lectores, y también hay una atmósfera mágica y triste en estos trabajos. Si te gustó Hoshi Wa Utau, es posible que también quieras leer Cat Street.

Ichigo Takano tiene algo de experiencia en el manga Shoujo, pero para este artículo revisamos su mejor trabajo hasta la fecha, que también se convirtió en anime en 2016: Orange. ¿Qué harías si recibes una carta de tu yo futuro? Esto es lo que le sucede a Naho Takamiya, quien al principio piensa que esto no puede ser real. Sin embargo, cuando Kakeru Naruse se transfiere a su escuela tal como estaba escrito en la carta, comienzan a suceder cosas extrañas. Si el Shoujo tierno no es tu tipo, realmente deberías darle crédito a Hoshi Wa Utau y Orange. Tienen un estilo agradable y personajes bien definidos, pero con un lado trágico. Toma un poco de tiempo mostrarlos y el proceso podría requerir una caja de pañuelos... sin embargo, probablemente el aspecto más importante en las dos historias es la presencia de la esperanza; a veces fuera de alcance y a veces casi a mano, esa esperanza da una razón para vivir a los personajes.

Tras un pequeño accidente, una niña perdió todos sus “piezas del tiempo” por culpa de un imprudente mafioso. Esparcidas en varios planetas, estas piezas crean brechas temporales que Hat Kid debe solucionar urgentemente, de paso recuperando cada uno de estos misteriosos relojes de arena. En su aventura, esta chica encuentra amigos y enemigos por igual, unos más divertidos que los anteriores y entrañables a su manera. Para ser un juego independiente, A Hat in Time se volvió un éxito muy rápidamente. Este éxito se basa en haber creado algo original y divertido a partir de elementos ya existentes y una jugabilidad que estaba en boga. Este es un plataformero en 3D muy clásico, donde la protagonista utiliza diferentes sombreros para ganar habilidades y así avanzar por distintos niveles. Si buscas un juego corto pero muy animado y especial, aquí tienes una gran respuesta.

De un juego colorido y familiar pasamos a un Shooter terrorífico y cargado de adrenalina. Killing Floor nos trajo en 2016 su segunda entrega y propuso una renovación en su jugabilidad, ahora con mejores gráficos. Más allá de la acción, aquí lo que importa son las muertes, muertes y muertes… y créenos, matar y morir con amigos se vuelve una adicción. A diferencia de otros FPS, el gancho de Killing Floor 2 está en su sistema cooperativo, basándonos en equipos de 6 integrantes. Claramente, los juegos más beneficiados por el Unreal Engine son los de disparos en primera persona, y aquí tenemos una excepcional muestra de ello. Quizás los gráficos no sean los más realistas, pero las mecánicas de juego se sienten perfectas en cada partida contra los monstruos infectados.

¿Alguien dijo Shooter? ¡Perfecto! Eso sí, pasemos de una gran experiencia cooperativa a un juego que se disfruta mejor en su modo campaña, como Gears of War 4. La guerra entre los humanos y los Locust tiene un nuevo capítulo, y obviamente estarán involucrados Dominic Santiago y Marcus Fenix. Esta vez, sin embargo, el foco está en el hijo de este último, JD Fenix. Más allá de quién sea el protagonista jugable, cada juego de Gears of War ha tenido una magia especial, continuando una trama dramática y cinematográfica a la par de tantos disparos y vísceras. Obviamente, y por más que hoy por hoy es propiedad de Microsoft, hablamos también de una franquicia original de Epic Games, por lo que inevitablemente sacaría lo mejor del Unreal Engine.

Los primeros en poder disfrutar de Tekken 7 fueron los usuarios de las salas Arcade japonesas, pero poco más tarde tuvimos acceso tanto en consolas como en PC. Con algunos nuevos personajes y varios regresos triunfales, esta séptima parte de la franquicia de lucha en 3D tiene todo lo que un juego de Tekken necesita, aplicándose la fórmula que tanto éxito les trajo. Entre tantos trajes alternativos y estilos de pelea, ¿cómo no nos vamos a divertir? Mientras que Tekken 6 utilizó un motor propio para los gráficos y el Octave Engine para el aspecto físico, Tekken 7 acude al poderoso Unreal Engine 4. Esto supuso, claro está, un ahorro de tiempo en cuanto al desarrollo típico, pasando de crear siempre un motor propio a ahora adaptarse a un motor ya existente y probado. Habrá que ver qué pasa con el futuro Tekken 8; ¿se consolidará con motores ajenos para dedicar más tiempo a los personajes y la jugabilidad en sí, o volveremos a los motores a medida?

Ser un pirata nunca fue tan sencillo, con un gran océano por explorar y cientos de cofres de tesoro esperando que los encontremos. Sea of Thieves es una propuesta novedosa que ofrece “competición” entre jugadores pero reforzando el aspecto social y cooperativo, con un trasfondo cosmético que equipara la experiencia de los jugadores. Esto significa que para disfrutar al máximo de este juego necesitamos trabajar en equipo y olvidarnos de los duelos “porque sí”, en una serie de misiones que nos recompensan sin volvernos realmente superiores a los demás. Aunque fue uno de los juegos más esperados del año, el lanzamiento de Sea of Thieves trajo muchas críticas por su aparente falta de contenido y lo simple de su jugabilidad. ¡Pero aquí lo que analizamos es el uso de Unreal Engine! En ese sentido, sin dudas uno de los mayores logros de Sea of Thieves es el nivel de realismo en la animación del agua, además de su estilo gráfico tan particular. Quizás en cuanto a gameplay tenga muchísimo por mejorar, pero nadie negará que Unreal Engine fue una gran elección para este juego.

Así como vimos que Unreal Engine brilla en juegos FPS y también puede adaptarse a otros estilos de Shooter, debemos decir que XCOM 2 es otro ejemplo más de esto último. Es que, en este caso, no se trata de si jugamos solos o acompañados, sino de disparos fríamente calculados por un sistema de turnos. Sí, este es un juego de disparos, pero seguramente pases más tiempo analizando el mapa y pensando tus movimientos que dándole al gatillo. XCOM es el título que puso en la cima a esta mezcla de Estrategia y Shooter, y la segunda parte de la saga tiene un sistema muy elaborado que nos fascina más con cada partida. Además, el nivel de detalle en cada mapa y la calidad de los modelos en 3D dejan muy en alto al motor gráfico, dando de paso mucha fluidez al juego. XCOM 2 es de esos juegos que no son para todos, pero que todos deberían al menos probar.

¿Cuánto sacrificarías por volver el tiempo atrás y poder corregir ciertas decisiones? A veces, cuando tomamos estas decisiones no pensamos en las consecuencias que podrían traer a corto y largo plazo, pero con esa información seguramente muchas veces nos hemos arrepentido. Para Maxine “Max” Caulfield, rehacer su vida en base a volver el tiempo atrás es cosa de todos los días, aunque las consecuencias de esto son peores de lo que podría imaginar. Esta saga episódica fue toda una sorpresa a nivel jugable, contando una maravillosa historia a través de los ojos de una adolescente aficionada a la fotografía. Una chica desaparecida, una muerte inesperada, drama entre estudiantes y todo lo que implica el famoso efecto mariposa. Life is Strange es un juego que te mantiene al borde de tu asiento y te golpea con cada giro de guión. Unreal Engine colabora con un apartado visual muy característico, con énfasis en los entornos y la iluminación.

En la tercera posición tenemos un juego que poco o nada tiene que ver con los demás, pero que ha sido un éxito comercial y, a la vez, ha colaborado con el avance de Unreal Engine. Se trata de Rocket League, un juego competitivo y muy simple, en el que un equipo de pilotos utilizan sus coches para disputar fieras batallas en una versión muy particular del “fútbol”. Aunque hoy en día existe Unreal Engine 4, Rocket League utiliza una versión de Unreal Engine 3 a la que los desarrolladores le han hecho algún que otro ajuste. Así todo, en Psyonix nunca se imaginaron que, unos años más tarde, tendrían que adaptar su juego a la Nintendo Switch. Más allá de ser un juego súper divertido y muy jugado a nivel competitivo, Rocket League tiene la particularidad de ser de los pocos juegos de Unreal Engine 3 llevados a la nueva consola de Nintendo, que únicamente ofrece soporte nativo para Unreal Engine 4.

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Volvemos a un Shooter, pero de paso añadiéndole una fabulosa historia, muy buenos personajes y una ambientación excelente, con tintes de Terror de Supervivencia. BioShock es un ejemplo de lo que podría pasar en una nación que se deja llevar por utopías y autoritarismos, en una visión alternativa de los años 60 donde no faltan los seres mutantes. Algo curioso es que, adrede o no, varias secuencias y niveles de BioShock se asemejan mucho al viejo Unreal. Nada más empezar, por ejemplo, sentimos esas vibras cuando avanzamos por el faro tras el naufragio... y si conoces de motores gráficos, se hace difícil no reconocer Unreal Engine. Desde ahí, BioShock es un tributo a los viejos FPS de miedo como Unreal, Doom o Quake, pero tan lleno de otros elementos que no solo queda camuflado, sino que resulta cientos de veces mejor y más completo narrativamente.

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Ha sido una decisión difícil, no lo negamos, pero por muchos motivos se volvió también muy obvia. Batman: Arkham City no solo es un gran juego en sí sino que, además, es uno de los pocos que ha hecho buen uso de una licencia tan popular como Batman, incluso posicionándose como la mejor entrega de la trilogía y el mejor juego basado en un superhéroe. El punto más alto está en la trama y sus personajes, con guión del famoso Paul Dini y las voces de Kevin Conroy (Batman)y Mark Hamill (Joker), entre otros. Más allá de la trama y los personajes, algo que destaca en esta trilogía es la jugabilidad, especialmente a la hora de asemejarse a lo que ha hecho Batman tanto en los cómics como en las animaciones y películas. La fluidez es muy buena y los entornos e iluminación no se quedan atrás, concluyendo en un espectáculo visual digno del mayor superhéroe que jamás haya existido. No obstante, Batman: Arkham City fue creado con Unreal Engine 3, dejando lugar a varias mejoras. Esas mejoras llegaron como Return to Arkham, una remasterización del juego que adapta todo lo visto a la potencia de Unreal Engine 4… al menos en consolas, porque no está disponible en PC. Esto es muestra de que cada nueva versión de un mismo motor puede mejorar enormemente lo visto hasta entonces, pero que, a la vez, el éxito de un juego nunca es solamente por su detalle gráfico.

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La impactante historia de Acción, Historia, Fantasía y Samurai que podemos encontrar en Drifters inicia esta lista. Guerreros de diferentes épocas de la historia japonesa son transportados a otro mundo por un misterioso hombre llamado Murasaki con la intención de modificar el curso de la historia. Toyohisa Shimazu, Nobunaga Oda, y Yoichi Suketaka Nasu son grandes guerreros japoneses capaces de acabar con cualquier enemigo que se les cruce en su camino, pero vaya si de guerreros japoneses vamos a hablar no podemos dejar por fuera al protagonista de Golden Kamuy, Saichi Sugimoto, mejor reconocido como Sugimoto el Inmortal. Enfrentamientos sangrientos, guerreros que darán el todo por el todo en la batalla y mucha acción podemos apreciar en ambas series.

Una excelente historia de acción, aventuras y samurais ofrece Stranger: Mukuo Hadan. Un niño llamado Kotarou junto a su fiel y protector perro llamado Tobimaru se ven obligados a huir de unos misteriosos asesinos llamados ming por los japoneses. A punto de ser atrapados el niño y su perro, ambos son salvados por un ronin llamado Nanashi. Kotarou llega a un acuerdo con Nanashi de ofrecerle una jugosa recompensa si logra ayudarlo a que llegue a su lugar de destino. Es cuando emprenden un peligroso viaje, mientras son perseguidos por asesinos motivados por la conocida leyenda del elixir de la inmortalidad que está relacionado con Kotarou. Mientras que en Stranger:Mukou Hadan están en búsqueda del elixir de la inmortalidad en Golden Kamuy es el oro de los Ainu que generará un revuelo en la ciudad. Ambos protagonistas de las historias son unos experimentados guerreros que realizan un viaje con una persona más joven.

Japón ha estado plagada de enfrentamientos bélicos en los distintos períodos en que se divide la historia de ese país. Algunos de ellos internos otros externos. Fuyu no Semi ocurre a finales del régimen Bakumatsu y el aislamiento en que vivía Japón y el inicio del periodo Meiji. Una historia romantica, dramatica, del género Yaoi que nos muestra el enfrentamiento interno de los distintos clanes que existían en ese momento, la división que ocurre, el apoyo de unos al shogun y de otros que deciden colaborar con el emperador. En medio de esta pugna interna se desarrolla un gran amor entre Keiichirou Akizuki y Touma Kusaka que difieren en ideología y llegarán a enfrentarse en las históricas batallas de Boshin y Toba-Fushimi. Pero si de batallas se trata en Golden Kamuy también nos veremos en medio de un enfrentamiento bélico en el mismo período Meiji, pero más avanzado con la batalla ruso-japonesa.

Impactante, estremecedora y visceral es Shigurui un anime Histórico como la mayoría de esta lista, pero que centra su atención en las artes marciales, la vida samurai y con encuentros dramáticos muy fuertes que se requiere tener buen estómago para ver algunas de sus escenas brutales que aparecen. Nos ubicamos en los inicios de la Era Edo, un momento de paz que siempre duran muy poco, en donde el señor Tokugawa Tadanaga organiza un torneo de lucha. Fujiki Gennosuke un samurai manco y Irako Seigen un samurai ciego lucharán entre sí en este torneo. Ambos son discípulos de Iwamoto Kogan, conocido como el mejor espadachín de Japón. Cada uno de ellos está decidido a probarse a sí mismo como el sucesor de la escuela de Iwamoto. Sin embargo, solo puede haber un campeón.Enfrentamientos de guerreros, historias dramáticas entre los distintos personajes y estremecedoras muertes por conseguir un objetivo son algunos de los puntos que coinciden con Golden Kamuy.

Onihei es una serie Histórica y Seinen que se desarrolla en la periodo Edo del Japón. La historia gira en torno a la unidad de control de incendios y robos y su estricto e implacable jefe de la misma, Heizou Hasegawa.Cada capítulo es una historia diferente en donde conoces los códigos y tácticas de un ladrón, aprendes a entender la mente de los distintos criminales que aparecen en esta serie, así como la justicia que se ejercía en esa época. Cabe destacar que la justicia es implacable y hasta cierto punto cruel y violenta. Tal vez la historia de Onihei y Golden Kamuy no guardan mucha similitud, pero en ambas podemos aprender cómo era la sociedad japonesa, en un periodo determinado de la historia. En ambas indican un periodo exacto como referencia, siendo de guía para entender a la sociedad de esa época,sus costumbres, estilo de vida, problemas políticos y sociales. Ambas series están cargadas de escenas violentas muy fuertes, esa lucha por sobrevivir de los individuos en esa época, injusticias, etc...

Para darle un toque diferente a estos dramas históricos, incluimos en esta lista a Souten Kouro y los acontecimientos que tuvieron lugar en el periodo de los Tres Reinos en la China y los hechos que suscitaron en torno al último canciller de la dinastía Han del Este, el gran Cao Cao. Una época violenta, épicas batallas y aguerridos enfrentamientos se pueden apreciar en esta dramática historia. Tanto Souten Kouro como Golden Kamuy te muestran un mundo de cambios internos en el país en que se desarrollan sus historias, con enfrentamientos sangrientos, el deseo de obtener un propósito personal, los cambios políticos del momento, grandes guerreros que despliegan sus habilidades como hombres de combate y una que otra escena de sangres y muertes violentas.